Хоакин Родриго, один из самых выдающихся современных композиторов Испании, родился в Сагунто, провинция Валенсия, 22 ноября 1901 года. В возрасте трех лет он ослеп. Находясь под попечительством местных музыкантов, включая хорошо известного композитора и знатока фольклора Эдуардо Лопеса, Родриго отправился в Париж, где с 1927 году начал изучать композицию с Полом Дукасом. В столице Франции молодой человек познакомился с существовавшими в то время в Европе увлекательными и противоречивыми тенденциями развития музыки, здесь среди тех, с кем он общался, были известные испанские эмигранты, в числе которых был Мануэль де Фалья; его советы и участие очень помогли Хоакино в дальнейшем развитии.

Наверное, единственное и самое важное влияние в молодые годы на музыканта оказал его учитель, Пол Дукас. Этот весьма разборчивый композитор, чье благоговение перед совершенной формой и чистой экспрессией перешло к Родриго, внушил талантливому, энергичному испанцу самые высокие музыкальные стандарты. В силу того, что Родриго был родом из Валенсии, он уже был космополитичен и независим в своих взглядах. Во время работы с Дукасом он перенес эти черты в искусство, которым он овладел, с завидным успехом контролируя каждый аспект своей профессии. Можно сказать, что за годы, проведенные в Париже, Родриго получил возможность целенаправленно использовать творческую энергию, выкристаллизовав свою точку зрения и направив свой талант туда, где до своей учебы во Франции он мог оказаться только в самых смутных своих представлениях. Под заботливым присмотром Дукаса Родриго находился вплоть до 1932 года.

В 1933 году он вернулся на родину, где ему была присуждена солидная стипендия как единодушное признание его таланта. Эта улыбка фортуны позволила ему вновь отправиться в Париж, где он приступил к углубленному изучению истории музыки и смежных предметов с Андрэ Пирро и Морисом Эммануэлем. Увеличение стипендии дало ему еще большую финансовой свободу, благодаря чему он смог много путешествовать по Австрии, Швейцарии и Германии.

Разразившаяся в Испании гражданская война ознаменовала для Родриго конец спокойной и размеренной жизни. В 1936 году он вернулся в Испанию -- на этот раз, чтобы остаться. Несмотря на политический переворот, для него это был период значительной активности. Кроме написания музыки, Родриго выступил в качестве режиссера серии концертов на радио. К 1939 году композитор переехал в Мадрид. Именно в это время он написал "Аранхуэзский концерт", который тотчас же был признан как произведение исключительной важности. Дальнейшая карьера Хоакина Родриго в полной мере оправдала надежды, которые он подавал в свои юные годы. Профессор, преподаватель истории музыки в Мадридcком университете, он оказал огромное влияние на молодые дарования в своей стране, важное значение имела и его работа в качестве критика. Среди его главных произведений "Героический концерт" (1936-39), "Отсутствие Дульцинеи" (1947-48), "Галантный концерт для виолончели с оркестром" (1949), "Фантазия для джентльмена" (1954) и "Концерт-серенада для арфы с оркестром" (1954).

Примечание Джеймса Ринго

Композитор снабдил два своих концерта следующими примечаниями: "Аранхуэзский концерт" был написан в Париже зимой 1939 года, немного позднее окончательно завершен в Мадриде. Премьера концерта состоялась в следующем году, в истории испанской музыки это был беспрецедентный успех. Критики с восторгом встретили это произведение. День, когда состоялась первое исполнение концерта, стал важной вехой в истории испанской музыки. "Невозможно найти  испанское произведение такое же волнующее, яркое и обладающее таким же совершенством формы", - писал один музыкальный критик. - "Впервые в истории нашей музыки яркость и классичность слились воедино, взаимно смягчая и оживляя друг друга".

"Аранхуэзский концерт" обязан своим названием знаменитому королевскому поместью в 50 км от Мадрида по дороге в Андалусию. Это было излюбленное место Бурбонов. Хотя концерт не призван изображать какую-то картину или идею, композитор намеренно дал такое название, чтобы возродить в памяти определенное время в истории Аранхуэза, а именно, конец 18 -- начало 19 века, время правления Чарльза IV и Фердинда VII. Это была эпоха прекрасных дам, тореадоров и испано-американских мотивов.

С небывалой дерзостью гитара противостоит целому оркестру: пикколо, флейте, гобою, английскому рожку, двум кларнетам, двум фаготам, двум трубам и струнному квартету. Гитара все время солирует, но оркестр обеспечивает тонкий контраст, прозрачный и неизменный в своем блеске.

Первую часть (Аллегро кон спирито) оживляет энергичный ритм. Две темы ни на мгновение не прерывают настойчивую ритмичную волну.

Вторая часть (Адажио) -- скорбный диалог между гитарой и солирующими инструментами: английским рожком, фаготом, гобоем, трубой и т.д. Глубокий, ровный пульс -- четыре такта в размере -- поддерживает звучную структуру части.

Третья часть (Аллегро) напоминает старинный галантный танец. Комбинация двух- и трехтактного размера, легкость и искристость придают музыке оживленность, которая сохраняется до самого финала.

"Андалузский концерт" для четырех гитар с оркестром был написан по заказу Селедонио Ромеро и посвящен ему и его сыновьям -- гитаристам-виртуозам. Концерт был написан в 1967 году, премьера состоялась в том же году, 18 ноября в Сан-Антонио, штат Техас (США).

Вдохновением к написанию концерта послужила музыка Андалузии, хотя темы не являются аутентичными фольклорными мелодиями -- их написал сам композитор. Концерт состоит из трех частей. Гармонии и оркестровка написаны в популярном ключе. Четыре гитары заводят диалог то между собой, то с оркестром. Этот концерт был написан, чтобы в полной мере продемонстрировать виртуозность солистов, но и оркестр временами оказывается в центре внимания.

Три части -- Время болеро, Адажио и Аллегретто, различаются между собой и включают собственные темы, каждая из которых обладает несомненной важностью. Музыку концерта композитор относит к категории, которую он назвал "неопуризм". Все произведение, благодаря четырем солистам и оркестровке очень колоритное и несет мощный заряд энергии.

Семьей Ромеро был создан единственный в своем роде квартет. Очень редко можно встретить целую семью, посвятившую всю жизнь гитаре. Они пользуются огромным успехом, и их отличительной чертой является истинно испанский характер. От фламенко до классической музыки, Ромеро ко всему подходят с одинаковым рвением и индивидуальностью.

Можно сказать, что квартет Ромеро отличается колоритностью, аутентичностью исполнения и виртуозным владением гитарой. Все вместе это позволяет артистам трактовать музыку совершенно по-особому.

Примечания Хоакина Родриго

* * *

К началу 18-го века политическое и экономическое влияние Венеции значительно понизилось, но музыкальная активность по-прежнему била ключом. Музыка была частью ее деловой, общественной и религиозной жизни. Собор Святого Марка, привлекавший многих знаменитых музыкантов со времен Виллаэрта и де Роре, все еще пользовался известностью как центр хорального и инструментального сочинения. Отец Антонио Вивальди был одним из его ведущих скрипачей.

Оставив церковную службу по причине нездоровья, Антонио Вивальди  (1678-1741) заведовал музыкальным обучением в Консерватории Пьета в Венеции с 1704 по 1740 год. Пьета было заведением для бездомных и незаконнорожденных девочек, как и многие другие религиозные учреждения в Неаполе и Венеции 18 века. Главную часть учебной программы составляло обучение музыке. Это было превосходное окружение для композитора. Постоянно находились поводы к созданию новых работ, и была уверенность в их искусном исполнении перед многочисленной и восприимчивой публикой. Большая часть из 450 концертов, написанных Вивальди, была создана для Консерватории. (Огромное количество написанных произведений, включая оперы, симфонии, сонаты, кантаты, мотеты и оратории, заставляют сомневаться в "плохом" состоянии здоровья композитора).

Концерты Вивальди имеют много общего с другими подобными произведениями того времени. Обычно в концерте было задействовано около 25 струнных инструментов, партия генерал-баса исполнялась на клавесине или органе. Деревянные и медные духовые инструменты иногда использовались как сольные или ансамблевые инструменты. Вивальди придерживался свойственного 18-му веку стиля, следуя которому концерты состояли из трех частей. Но он был первым, кто придал медленной средней части такое же значение, какой обладали первое и финальное аллегро. Тем не менее, его концерты для нескольких сольных инструментов не строго соответствуют стилю "кончерто гросси", потому что он обращается к сольным инструментам по отдельности, а не как к группе инструментов. Форма частей концерта была той же, что было установлено Торелли в конце 17-го века. Каждая часть начинается с изложения темы в исполнении всего оркестра, затем поочередно вступают сольные, а оркестр повторяет, видоизменяя, главную тему (ritomeUi), финал почти не отличается от вступительной части.

Красота и значительность концертов Вивальди заложена в их индивидуальности, свежей, живой, волнующей. Мелодии ярки и притягательны в своей гармоничной тональности. Разнообразие ритмов помогает избежать монотонности. Самая отличительная черта -- динамичные отношения между сольными инструментами и оркестром. Драматическое напряжение чувствуется в поединке одного (или нескольких) со многими. Инструментальное звучание контраста между сольным инструментом и оркестром стало особым вкладом Антонио Вивальди в музыку 18-го столетия.

Гитару в качестве концертного инструмента стали использовать сравнительно недавно, если учитывать древнюю историю этого инструмента. Струнные инструменты семейства лютневых были популярны на протяжении средних веков. К 16 веку была создана уникальная испанская лютня. Виуэла-де-мано ("ручная виуэла") отличалась от стандартной грушевидной лютни: по форме она была похожа на гитару. Сольные песни под  аккомпанемент, которые являлись одним из источников концертной формы, была впервые написана испанскими композиторами в 16 веке для виуэла-де-мано.

Тем не менее, до 19 века гитара так и оставалась инструментом для любителей. Фернандо Сор (1778-1839) посвятил гитаре свой талант композитора, учителя и виртуозного исполнителя, чтобы доказать ее художественные качества и диапазон. Современная гитарная школа была основана Франсиско Эшеа Таррегой (1854-1909). Его технические нововведения, оригинальные сочинения и многочисленные аранжировки внесли огромный вклад в признание гитары в качестве концертного инструмента. Антонио Вивальди, великий мастер итальянского барокко, не написал ни одного концерта для гитары. Композиции, представленные на этом диске, были специально аранжированы. И это не новшество, начало положил еще Иоганн Себастьян Бах.

Примечания Д. Паркса Петана

СЕМЬЯ РОМЕРО

"Испанская королевская гитарная семья" - подходящее определение, которое дал музыкальный критик Луи Бьянчолли семье Ромеро, когда он прославлял ее  "выдающееся исполнение классических произведений и фламенко благодаря безупречному овладению техникой, уникальную приятность и чистоту звучания".

Эта удивительная музыкальная династия была основана в Малаге, Испания, Селедонио Ромеро, который начинал обучать своих сыновей, Селина, Пепе и Анхела, как только те становились достаточно большими, чтобы держать гитару в руках. Уже к одиннадцати годам каждый из них выступал на сцене. Селедонио и его семья переехали из родной Андалузии в Соединенные Штаты, где поселились в Лос Анджелесе в конце 50-х годов. Их первый американский тур состоялся в 1961 году и имел безоговорочный успех. Публику поражал их репертуар, охватывающий три века, от Баха и Вивальди до Гранадоса и Вилла-Лобоса, традиционного фламенко и современной музыки. "Один из самых выдающихся концертов, на которых мне довелось побывать и получить удовольствие за три десятилетия своей деятельности", -- писал музыкальный критик из "Бостон Глоуб".

В 1962 году Ромеро записали первую пластинку из серии Living Presence (Живое Присутствие), положив начало коллекции испанских произведений для гитары соло и дуэта гитар, а также аранжированных для гитарного квартета Селедонио Ромеро. Эта панорама испанской гитарной музыки демонстрировала таланты каждого из членов семьи Ромеро: Селедонио, с его сильным, цельным исполнением классических произведений; Селина, чей лирический стиль особенно хорошо подходил для позднеромантического репертуара; Пепе, с его великолепной техникой и пылким темпераментом; и Анхела, самого молодого, в котором сочетались многие музыкальные качества его братьев и отца.

В более поздних альбомах, выпущенных компанией Mercury, Селедонио посвятил сольный альбом исследованию барокко, его звучание напоминает лютню, такое эффектное в музыке 16 и начала 17 веков. Пепе показал себя искусным исполнителем фламенко, выпустив свой сольный альбом (CD 434 361-2), проявив искусство импровизации, являющееся существенной частью неуловимо тонкой музыки андалузских цыган. В середине 60-х годов Селедонио заказал великому испанскому композитору Хоакино Родриго концерт для четырех гитар и оркестра. Работа была закончена в 1967 году, Родриго посвятил ее Селедонио и его сыновьям. После первого исполнения, которое состоялось в Сан-Антонио, штат Техас, в том же году, Mercury впервые выпустила пластинку с записью Андалузского концерта, которая также есть на этом диске.